Die Rolle der Musik in Videospielen

Die Rolle der Musik in Videospielen

Wie in Filmen hat sich auch in Videospielen gezeigt, dass die effektive Verwendung (oder mangelnde Nutzung) von Musik der Unterschied zwischen einem definierenden emotionalen Höhepunkt, der seine volle Pracht erreicht, und dem, was ansonsten ein fesselnder Moment gewesen wäre, der die Schärfe einer getrockneten Tomate erreicht hätte (es sei denn, getrocknete Tomaten bringen einen tatsächlich zu Tränen, in diesem Fall bin ich mir sicher, dass sie Ihr Bedürfnis nach emotionalem Geschichtenerzählen in einem weitaus größeren Ausmaß befriedigen als jedes Spiel). So wie in den letzten Jahren große Fortschritte in der überzeugenden Videospiel-Erzählung gemacht wurden, so hat sich auch der Einsatz von Musik rasant entwickelt.

Da sich aber alle Spiele sowohl um Storytelling als auch um Gameplay drehen müssen, hat sich seine Version der auditiven Begleitung als absolut einzigartig für dieses Medium erwiesen. Die Raffinesse der Unterhaltungselektronik hat sich seit den Tagen der 8-Bit- und MIDI-Soundtracks von Klassikern wie Mario Bros. und The Legend of Zelda enorm weiterentwickelt. Musik allein hat einige der größten Gaming-Momente aller Zeiten unterstützt, aber einige Titel haben dies einen Schritt weiter getrieben, indem sie das gesamte Kern-Gameplay um Musikalität herum aufgebaut haben. Dies ist meine Auseinandersetzung mit der enormen Rolle der Musik in Videospielen.

In den späten 1970er Jahren, als Videospiele im sogenannten goldenen Zeitalter der Arcade-Videospiele und der zweiten Konsolengeneration (wir treten jetzt mit der Wii U, Xbox One und PS4 in die 8. Generation ein) erstmals als beliebte Unterhaltungsform auftauchten, wurde Musik über einfache synthetische Chips erzeugt, um musikalische Klänge im treffend benannten Stil zu erzeugen: chiptune. Früher waren die meisten Videospiele völlig stumm oder enthielten nur extrem einfache Piepser und Boops – wie in Atari’s Pong, erschienen 1972 – aber als Hintergrundmusik in Videospielen begann, von Kunden erwartet zu werden, nutzten die Entwickler diesen wachsenden Trend direkt mit der Veröffentlichung des universell geschwenkten Journey (ich weiß, was Sie denken, aber die Version von 1983). Die Spieler spielten als Fotografien der Mitglieder von Journey, die auf Cartoon-Körpern platziert waren, versuchten, sich mit ihren Instrumenten wieder zu vereinen, hörten aber keine der Bands tatsächliche Musik. Obwohl noch in den Kinderschuhen steckend, ruft die schlichte 8-Bit-Musik aus dieser Zeit sicherlich Nostalgie hervor für jeden, der in den 70er und 80er Jahren aufgewachsen ist, selbst Videospiele waren damals weit weniger ein ernstes Hobby als heute und mehr ein Spielzeug. Ich selbst erlebe diese Nostalgie, wenn ich das Eröffnungsmotiv der originalen Playstation höre.

Im Laufe der Jahre hat sich die Musik in Videospielen ebenso rasant entwickelt wie ihre Technologie: Es ist eine gute Zeit geworden, um ein Spieler zu sein. Neben der Möglichkeit, Atmosphäre in der Geschichte und im Setting jedes Levels zu schaffen, wurde Musik verwendet, um den Spielern Informationen auf künstlerische Weise direkt zu vermitteln, was mich dazu veranlasst, ein musikalisches Ungeheuer zu enthüllen, das einzigartig für Videospiele ist: den dynamischen Soundtrack. Erstmals im revolutionären R.B.I. eingesetzt. Baseball im Jahr 1987, dynamische Soundtracks ändern und fließen auf der Grundlage der Aktionen des Spielers. Musikalisch gesehen, können Spiele wie Elder Scrolls V: Skyrim einen Dime von einer wunderschönen, zarten Geigenmelodie aufdrehen, während Sie eine atemberaubende Aurora auf einem schneebedeckten Berg bestaunen, bis hin zu schweren, maskulinen Grunzen und Trommeln, sobald Sie in den Kampf treten, oft geschieht diese Veränderung, bevor Sie überhaupt wissen, dass Sie angegriffen werden. Das zwingt die Komponisten dazu, über die üblichen Empfindlichkeiten der Filmkomposition hinauszugehen und Phrasen zu kreieren, die sowohl fesselnd genug sind, um die Emotionen der Spieler hervorzurufen, als auch präzise genug, um einen bequemen Übergang in den nächsten Song zu ermöglichen. Videospiele basieren auf Informationen ebenso sicher wie auf Emotionen, und diese Informationen müssen auf kreative Weise vermittelt werden. Selbst ohne einen komplexen dynamischen Soundtrack kann Musik Informationen vermitteln, die so einfach sind wie das Gewinnen eines Levels oder eines Spiels. Diese Klänge können sogar noch einprägsamer werden als die Spiele selbst. JEDER weiß genau, was ihn erwartet, sobald diese Musik in seinen Ohren ankommt:

Doch wie im Film ist das Schaffen von Atmosphäre für die Musik eine weitaus größere Funktion als die bloße Vermittlung von Informationen. Eine immersive Fiktion zu erschaffen, in der die Erzählung zu setzen ist eine Schlüsselaufgabe für jeden Entwickler, der ein populäres und gefeiertes Videospiel erschaffen möchte, und Musik ist ein großer Teil des Erreichens dieser Immersion. Ob diagetisch (direkt vom Charakter erlebt) wie die Radiosender in Grand Theft Auto 5, oder nicht-diagnostisch, wie die exquisite, symphonische Begleitmusik von Journey (1983er Version), angemessene Musik kann Bände über die Welt des Protagonisten sprechen, vor allem durch zeitgemäße Musik wie die von Hotline Miami, die eine pochende 80er Jahre-esc-Begleitung aufweist. In den perfekten Momenten in den Kämpfen der Charaktere und wenn die Visuals und die Atmosphäre prächtig etabliert sind, kann die Musik unsere Emotionen direkt manipulieren und sie wie ein Spiel von Monopoly spielen. The Last of Us war in vielerlei Hinsicht schön, aber sein Verständnis von Musikalität im Kontext einer Videospiel-Erzählung war einfach beispiellos.

Der brutalen Intensität dieser Szene steht eine einfache Gitarrenmelodie gegenüber, die die neue Saison auf einer schwarzen Leinwand einläutet. Wir erleben Geschichten und das Leben fiktiver Charaktere, weil wir fühlen wollen. Wir wollen über den Verlust von Charakteren weinen, die wir lieben, oder lachen, wenn sie ihre kühnsten Träume verwirklichen – vielleicht, um uns davon abzulenken, die wahren Emotionen zu konfrontieren, die wir im Alltag so leicht vermeiden. Eines ist jedoch sicher: Es gibt keine Situation, weder real noch imaginär, die sich nicht mit Musik oder Pizza verbessern lässt. (Daria-Fans? Hat jemand diesen Witz verstanden?)

Rhythmusspiele gehen noch einen Schritt weiter, indem sie ein ganzes Genre um die Performance und den Lebensstil herum hervorbringen, wie z.B. Guitar Hero und Rockband. Während des goldenen Zeitalters von Guitar Hero haben die Spieler hunderte von Stunden lang Plastikknöpfe auf einer Plastikgitarre zerquetscht, was die Rockband dazu veranlasste, dass die User zusammen als ganze Plastikband spielen können! Diese Spiele ermöglichten es, die Fantasien der Menschen von Rock-Gott-Stars auf eine weitaus direktere Art und Weise zum Leben zu erwecken, als sie je zuvor erlebt worden waren, dank der ikonischen Reihe von Instrumentalimitationen und vor allem der Soundtracks. Angefangen mit einer Reihe zuverlässiger Rockstacks von David Bowie bis Franz Ferdinand, wurde die Popularität dieser beiden Franchise-Unternehmen schnell durch die Hingabe ganzer Titel an bestimmte Bands oder Epochen, wie Guitar Hero: Aerosmith oder The Beatles: Rock Band, geprägt, die es den Spielern ermöglichten, die Schuhe virtuell zu füllen und die Songs ihrer Lieblingsmusiker zu covern, ohne dass sie sich dabei an die Langeweile der Praxis gewöhnen mussten. Ein paar Jahre später würde Ubisoft diese Prämisse mit Rocksmith, veröffentlicht im Jahr 2012, beträchtlich weiterführen, was es den Spielern erlaubte, jede E-Gitarre (oder Bassgitarre nach einer Erweiterung) an ihre Konsole anzuschließen und den Guitar Hero-Stil zu jammen, während sie gleichzeitig ihre musikalischen Klänge versüßten. Ob Rocksmith nun ein Videospiel ist oder nicht, darüber lässt sich streiten, aber es hat sich als eine effektive und unterhaltsame Einführung in das Gitarrenspiel erwiesen, die den Spielern unzählige Stunden echter Erfahrung sowie eine große Auswahl an virtuellen Verstärkern und Pedalen bietet, um die Klanglandschaft des Instruments individuell zu gestalten.

Trotz meiner Liebe zu Filmen, TV und Videospielen ist Musik kompromisslos meine bevorzugte Ausdrucksform. Wie Milliarden Menschen auf der ganzen Welt spricht es mich auf einer so tiefgründigen Ebene an, dass ich mir ein Leben ohne es nicht vorstellen kann, aber es glänzt wirklich durch seine Infektion mit visuellem Geschichtenerzählen. Wer könnte vergessen, dass die schaurig schöne Montage in Good Morning Vietnam, wo das Schlimmste der Menschheit wurde auf What a Wonderful World von Louis Armstrong, oder Jamie N Commons: Lead Me Home in The Walking Dead als Michonne, Rick und sein Sohn, Carl Fahrt durch die verfallende Welt, in der sie gezwungen sind, zu überleben. Wer könnte die Landung in Mexiko auf halber Strecke der Red Dead Redemption vergessen? John Marston – ein Fremder in einem fremden Land, der von Banditen angegriffen wird, bevor er überhaupt einen Fuß auf ihren Boden setzt; gezwungen, seine ehemaligen Gefährten gnadenlos zu jagen – reitet er mit einem Revolver in seinem Holster in den Sonnenuntergang an seiner Statt, nach der Melodie der windigen, unverwechselbaren Stimme von José Gonzalez’ Far Away, und es ist atemberaubend. Bis dahin war der Soundtrack dieses Spiels typisch westlicher Gitarrenzwang und schroffe Riffs. Es schien nicht einmal real zu sein, als sich der folkloristische, minimalistische Far Away in den Hintergrund stellte und das galoppierende Pferd und den entfernten Dampfzug überwältigte. Es schien, als wäre es ein Traum, aber dieser makellos gestaltete Moment war real, es geschah. Durch die einfache Hinzufügung eines Liedes zur richtigen Zeit wurde der Akt, ein Pferd durch die Wüste Mexikos zu reiten, zu einem der größten Momente in jedem Videospiel, das ich je gespielt habe. Und das alles dank der Musik.

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