Google lancierte einen einfachen browserbasierten Sequenzer für das Musikmachen

Google lancierte einen einfachen browserbasierten Sequenzer für das Musikmachen

Chrome Music Lab hat ein neues Musikkreationswerkzeug namens Song Maker auf den Markt gebracht. Song Maker ist ein Sequenzer, der es Ihnen ermöglicht, Loops für zwei verschiedene Instrumente Ihrer Wahl zu programmieren, diese dann zu speichern oder an eine andere Person zur Zusammenarbeit zu senden.

Google Creative Lab startete Chrome Music Lab im Jahr 2016. Eine Reihe von webbasierten Experimenten, jede Chrome Music Lab Installation ermöglicht es Ihnen, mit Musik und Sound auf eine andere Art und Weise zu spielen. Dazu gehören Oszillatoren, bei denen Sie einen niedlichen Charakter zerquetschen und strecken müssen, um mehr über Frequenzwerte zu erfahren, und Sound Waves, die eine visuelle Darstellung der Art und Weise zeigen, wie sich Schallvibrationen durch die Luft bewegen.

Song Maker ist ein bisschen komplexer, aber immer noch sehr unkompliziert und narrensicher. Es hat ein Sequenzerformat, das in zwei Abschnitte unterteilt ist: einen Hauptteil für die Melodie und einen kleineren Takt am unteren Ende für den Rhythmus. Sie können zwischen mehreren musikalischen Optionen für jeden Abschnitt wählen und dann Ihre Noten mit der Maus, der Tastatur oder dem Finger zeichnen, je nach Gerät. (Die Noten müssen auch nicht einzeln angeklickt werden, man kann sie mit der Maus über die Noten ziehen und malen.

Wenn Sie keinen musikalischen Hintergrund haben, machen Sie sich keine Sorgen. Es scheint, dass Song Maker die verfügbaren Noten auf der Grundlage der von Ihnen gewählten Skala einschränkt. Also, egal was du tust, es wird in der Tonart sein (und nicht schrecklich klingen). Sie können es auch an ein MIDI-Keyboard anschließen oder den Mic-Button in Song Maker einschalten; ein schwebendes Symbol wird auf der linken Seite angezeigt, um anzuzeigen, welche Note Sie gerade spielen.

Außerhalb des Hauptfensters gibt es eine Reihe von Optionen, mit denen Sie Ihren Song weiter anpassen können. Sie können das Tempo mit einem Schieberegler einstellen, einen Oktavbereich, die Länge des Loops, die Anzahl der gewünschten Beats pro Takt und vieles mehr. Alles in allem ist es eine nette kleine Erfahrung, die Spaß macht, mit der man beiläufig herumspielen kann.

Der Song Maker von Chrome Music Lab ist eines von vielen browserbasierten Musikwerkzeugen, mit denen man kostenlos spielen kann. Zum Beispiel können Sie mit PIXELSYNTH Skizzen zeichnen und diese Bilder dann in Musik umwandeln, während es darüber scrollt, und Novation hat eine Browserversion seiner Launchpad-Hardware namens Arcade erstellt, mit der Sie Sample-Pads zum Programmieren von Loops antippen können.

Musikalischer Einfluss in der Welt der landgestützten und Online-Casinos

Musikalischer Einfluss in der Welt der landgestützten und Online-Casinos

Als ich noch ein Kind in Los Angeles war, nahmen uns meine Eltern fünf- bis sechsmal im Jahr mit auf Reisen nach Las Vegas. Das war Anfang bis Mitte der 90er Jahre, als Vegas ein viel familienfreundlicheres Reiseziel war als die heutige “Sin City”. Wir blieben fast immer in der Mirage, der ersten Megaresort-Immobilie der Stadt.

Wenn ich an die vielen wunderbaren Erinnerungen zurückdenke, die ich an diese Reisen habe, dann bleibt immer etwas bei mir – die hüpfende, sich wiederholende Musik, die Sie hörten, sobald Sie die Kasino-Türen öffneten. Es fühlte sich immer wie eine Party im Inneren an – eine Party, zu der ich als Minderjähriger noch zu jung war, um aufgenommen zu werden, aber trotzdem eine Party. Jetzt, in meinen dreißiger Jahren, stelle ich fest, dass die Mirage, so sehr sie auch versuchte, eine Party-Atmosphäre auf dem Casino-Floor zu schaffen, auch ihre eigenen Interessen im Auge hatte: Die richtige Musik wird sich positiv auf die Stimmung der Menschen auswirken und sie wahrscheinlich dazu bringen, mehr zu spielen.

Während viele Studien bewiesen haben, dass dies in landgestützten Casinos zutreffend ist, hat es mich wundern lassen, welche Art von Effektmusik auf Leute haben könnte, die sich entscheiden, ihr Glücksspiel in Online-Casinos zu machen.

Musik in landgestützten Casinos

Betreten Sie jeden Pokerraum, besonders in den Vereinigten Staaten, und Sie werden oft eine Reihe von Spielern finden, die Kopfhörer oder Ohrhörer tragen. Während es auf den ersten Blick so aussehen mag, als ob diese Spieler versuchen möchten, den Lärm um sie herum zu übertönen, ist es in der Regel so, dass sie ihre eigene Mischung aus vorprogrammierten Musik-Playlisten der Musik vorziehen, die vom Casino ausgewählt wurde, das über das Soundsystem gespielt wird. Wie jeder andere auch, werden Pokerspieler wahrscheinlich nur Wiedergabelisten mit Musik zusammenstellen, die sie mögen, und das versetzt sie in eine positive Stimmung und Gemütsverfassung. Ich jedenfalls bin noch nie jemandem begegnet, der seine Höhen erreicht, indem er einem Trauerlied zuhört.

Dasselbe gilt natürlich auch für die Musik, die über die Soundsysteme der landgestützten Casinos gespielt wird. Es ist fast immer ein Soundtrack aus hochtrabenden, modernen, schnellen Melodien und Mixen, die die Leute zum Pulsieren bringen und die Herzfrequenzen in Schwung bringen. Diese Art von Energie ist natürlich ansteckend, genauso wie Lächeln und Tanzen ansteckend sind. Leute mögen es, wenn andere Leute eine gute Zeit haben, und das geht einfach Hand in Hand mit guter Musik. Wenn alle diese Beats an Ort und Stelle sind, und bis die Musik aufhört zu pumpen, werden Sie fast immer sehen, wie heiße Action auf den landgestützten Casinoböden stattfindet.

Damit Sie nicht denken, dass alles oben Genannte eine einfache Vermutung ist, haben eine Reihe von akademischen Studien das Gleiche vorgeschlagen, zum Beispiel Griffiths, M.D. 2009, in dem festgestellt wurde, dass Musik trotz offensichtlicher individueller Unterschiede und Diskrepanzen im Musikgeschmack immer bekannt ist, “emotionale Zustände zu steigern, obwohl die Komplexität der Beziehung zwischen den beiden noch unklar ist”.

Musik in Online Casinos

Streng genommen gibt es in einem Online-Casino keine Musik “in”. Die Tatsache ist, dass, während Sie sich einloggen, um mit dem Spielen in Ihrem Lieblings-Online-Casino zu beginnen, Sie tatsächlich physisch überall dort sein können, wo Sie sein wollen. Ob zu Hause, im Café oder unterwegs (wenn Sie auf Ihrem mobilen Gerät in einem Etablissement wie Titanbet Casino Mobile spielen), es liegt an Ihnen, ob Sie mit den Soundeffekten des Online-Casinos spielen möchten oder nicht.

Es ist jedoch schwer zu argumentieren, dass, um die volle Online-Casino-Erfahrung zu erhalten und in das Gameplay einzutauchen, es am besten ist, den Sound eingeschaltet zu halten, oder mit Kopfhörern oder Ohrhörern angeschlossen zu werden, damit Sie die Audioelemente der Spiele erleben können.

Jedes Casino-Spiel, das in einem Online-Casino angeboten wird, hat oft seinen eigenen Soundtrack. Für Spiele, die nach Marvel Comics-Charakteren oder Blockbuster-Hollywood-Filmen thematisiert sind, ist es einfach eine Schande, die Geräusche zu verpassen, die die glitzernden State-of-the-Art-Sehenswürdigkeiten begleiten, die über Ihre Bildschirme blitzen.

Dann gibt es Spiele wie The Jazz Club Slots, deren Soundtrack ziemlich selbsterklärend ist. Noch andere klassische Spiele trotten die volle Glocken und Pfeifen Behandlung jedes Mal, wenn Sie eine Auszahlung treffen – etwas, das zumindest unbewusst sicher ist, um Ihre Freude beim Spielen zu erhöhen.

Selbst wenn Sie nicht gerade eines der Spiele spielen und einfach nur in einer Online-Casino-Lobby in unserem Instant Play Casino herumstöbern, werden Sie fast immer eine Auswahl an Melodien hören. Obwohl ich nicht für jeden Online-Casino-Spieler sprechen kann, jedenfalls nicht für mich, sobald die musikalische Begleitung aufhört, bin ich weitaus unwahrscheinlicher, dass ich von Spiel zu Spiel weiter summe. In gewisser Weise ist das, was Sie in der Online-Casino-Lobby hören, so etwas wie ein Zwischenspiel, wenn Sie von Spiel zu Spiel springen.

Die bemerkenswerte Ausnahme von der “Musikregel” in einem Online-Casino bilden die Live Games-Tische. Das liegt vor allem daran, dass sie Ihnen die Möglichkeit geben, das Live-Casino-Ambiente an Land zu erleben und mit den freundlichen, attraktiven und glamourösen Händlern zu interagieren. Musik wäre einfach zu störend, denn zwischen dem Platzieren von Wetten und dem Plaudern mit den Dealern kann man sich aufgrund der sensorischen Überlastung einfach nicht konzentrieren.

4 Tipps für den Einstieg in die Musikindustrie

4 Tipps für den Einstieg in die Musikindustrie

1. Werden Sie Mitglied eines Street-Teams

Street Teaming ist ein großartiger Weg, um den Fuß in die Tür zu bekommen und einige wichtige Verbindungen zu knüpfen, vor allem, wenn Sie keinen Lebenslauf haben, der vor Musikindustrie-Erfahrung strotzt. Als Street-Team-Mitglied würden Sie normalerweise Werbematerialien wie Aufkleber, Poster und CDs an Unternehmen in Ihrem Marktgebiet verteilen – einschließlich Plattenläden und Cafés. Wenn du verschiedene Künstler oder Shows in deiner Gemeinde förderst, knüpfst du Beziehungen zu anderen, die sich für Musik interessieren – du vernetzt dich, ohne es zu merken. Es gibt eine niedrige Eintrittsbarriere mit Street Teaming – die meisten Labels oder Firmen wollen einfach nur Leute finden, die von der Arbeit begeistert sind.

Wenn Sie daran interessiert sind, sich an Festivals zu beteiligen, können Sie das Work Exchange Team (WET) besuchen. Mit dem WET können Sie an Ihren Lieblingsfestivals teilnehmen und sich im Austausch für Freiwilligenarbeit engagieren. Wenn Sie sich bei weiteren Veranstaltungen freiwillig melden und sich etablieren, bekommen Sie besondere Möglichkeiten, wie z.B. Backstage- oder Pre-Festival-Positionen. Dies ist eine großartige Möglichkeit, Musikprofis aus vielen verschiedenen Abteilungen kennenzulernen und Ihnen letztendlich dabei zu helfen, zu entscheiden, wo Sie in der Branche arbeiten möchten.

Ein anderer Weg, um in die Straßenszene einzusteigen, ist die direkte Kontaktaufnahme mit Ihren Lieblingsmusiklabels und die Frage, ob sie jemanden brauchen, der Werbematerialien verteilt. Diese Art von Graswurzel-Marketing ist eine einfache und unterhaltsame Art und Weise, sich zu beteiligen, wie Sie beginnen, um Ihren Lebenslauf zu bauen.

Schließlich gibt es auch Drittanbieter, die sich oft um das Street Teaming von Künstlern kümmern. Das Syndikat ist eine Marketing- und Beratungsagentur, die ihren Kunden Street-Marketing anbietet – kontaktieren Sie sie oder ein ähnliches Unternehmen und fragen Sie nach neuen Möglichkeiten.

2. Netzwerk

Die Plattitüde “It’s not what you know, it’s who you know” beschreibt treffend die Bedeutung von Networking in der Musikindustrie. Wenn es um offene Stellen geht, ist die Musikindustrie besonders spärlich und extrem wettbewerbsfähig.

Neben dem Street Teaming ist die aktive Teilnahme an Social Media eine gute Möglichkeit, Netzwerke zu knüpfen – vor allem, wenn man in einem ländlichen Gebiet lebt und nicht viele Gelegenheiten hat, zu Shows zu gehen. Auf Twitter und Tumblr folgen Sie Menschen, die in der Musikindustrie arbeiten, und vor allem, sich mit ihnen zu beschäftigen. Wenn Sie eine konkrete Frage haben – fragen Sie sie. Sie würden überrascht sein, wie viele Menschen bereit sind, Ratschläge weiterzugeben, wenn Sie sie nur darum bitten.

Eine letzte und wichtige Anmerkung zum Thema Networking: Sobald Sie eine Beziehung zu jemandem aufgebaut haben, ist es wichtig, diese aufrechtzuerhalten. Es ist besonders wichtig, dass Sie Ihre schwachen Bekanntschaften pflegen – die Menschen, die Sie bei diesem einen Networking-Event kennengelernt haben, oder den Freund eines Freundes, der bei einem Plattenlabel Marketing betreibt. Der Stanford-Professor Mark Granovetter führte eine Studie mit dem Titel “The Strength of Weak Ties” durch, die zeigte, dass “Schwachbindenbekanntschaften oft wichtiger sind als feste Freunde, weil schwache Bindungen uns den Zugang zu sozialen Netzwerken ermöglichen, in die wir sonst nicht gehören”. Mit anderen Worten, es ist gut, sich alle paar Monate mit Leuten in Ihrem breiteren sozialen Netzwerk in Verbindung zu setzen – Sie wissen nie, wer Ihnen Ihre nächste große Chance geben wird.

3. Blog starten

Ein Weg, um in einer Branche wahrgenommen zu werden, ist es, sich als Autoritätsperson oder Vordenker im Raum zu positionieren. Das Starten eines Blogs ist eine großartige Möglichkeit, anderen zu zeigen, was Sie interessiert – und es ist eine großartige Möglichkeit, mit einer Gemeinschaft von Menschen mit gemeinsamen Interessen zu interagieren. Mashable sprach mit Jacob Moore, dem Schöpfer des populären Musikblog Pigeons and Planes, über seine Anfänge und die Bedeutung des Bloggens.

“Ich würde jedem raten, einen Blog zu starten, und selbst wenn du es nicht tust, um Geld zu verdienen oder tonnenweise Ansichten zu bekommen, ist es gut, etwas zu haben, das den Leuten zeigt. Sogar jetzt bekomme ich Leute, die wirklich für meine Seite schreiben wollen, und es macht einen solchen Unterschied, ob ich ein Gefühl für ihren Geschmack bekommen kann. Dann, wenn Sie sich für Jobs bei Labels oder Marketingagenturen bewerben, werden Sie etwas haben, das Sie ihnen zeigen können – Sie sind nicht nur eine weitere Person, die Musik liebt, sondern Sie sind bereit, jeden Tag die Arbeit zu machen.

Wir sprachen auch mit einer weniger bekannten Musik-Bloggerin, Natalie Dickinson, die den Blog We Are the Kids ins Leben rief, um ihre Erfahrungen und Ratschläge zu teilen, während sie eine Karriere in der Musikbranche anstrebt.

“Ich habe We Are the Kids gegründet, weil ich mehr Erfahrung wollte, aber ich war zu jung, um an einem Veranstaltungsort zu arbeiten oder ein Praktikum zu machen – auch, weil ich andere Kinder wie mich selbst treffen wollte, die sich mit Musik beschäftigen wollten. Tumblr war eine großartige Plattform, um Leute aus dem ganzen Land zu treffen.”

Aufgrund ihrer Hartnäckigkeit und ihres Engagements engagiert sich Dickinson jetzt ehrenamtlich bei der Warped Tour in diesem Sommer – ein Traum, den sie seit Jahren hat. Sie arbeitet auch mit den Abteilungen für Unternehmertum und Musik an ihrer Universität zusammen, um ihre Website zu verbessern, damit sie ihren Anhängern besser dienen kann.

4. Finden Sie einen Mentor

Die Suche nach einem Berater, der bereits über Erfahrung und Verbindungen verfügt, ist ein guter Weg, um in jeder Branche an Boden zu gewinnen. Weil so viele Ihrer Möglichkeiten von jemandem kommen, den Sie kennen, ist es von unschätzbarem Wert, sich mit einem Mentor in Verbindung zu setzen. Allerdings ist es nicht immer einfach, herauszufinden, wen man fragen sollte und wie.

Durch Street Teaming und die Teilnahme an Shows werden Sie schließlich Ihr eigenes Netzwerk aufbauen und sich zweifellos mit jemandem verbinden, der Erfahrung in der Branche hat. Eine große Weise zu beginnen ist, diese Person zu bitten, eine Tasse Kaffee mit Ihnen für ein Informationsgespräch zu haben. Informationsgespräche sind hilfreich. Sie lernen gleichzeitig von der Erfahrung eines anderen, indem Sie ihm zeigen, wie tief Ihr Interesse geht und wie ernst Sie es meinen.

Profi-Tipp: Bitten Sie immer darum, am Ende des Interviews mit jemand anderem verbunden zu sein. Zum Beispiel, wenn die Person, mit der Sie sprechen, kein Experte im Kundenmanagement ist – fragen Sie, ob diese Person jemanden kennt, dem Sie vorgestellt werden könnten, damit Sie mehr über diesen Bereich der Branche erfahren können. Im Allgemeinen lieben es die Menschen, zu zeigen, wie gut sie miteinander verbunden sind, und die meisten werden Ihnen helfen, sich mit Ihnen zu verbinden, wenn Sie einfach nur fragen.

Wenn Sie keine Mentoren in Ihrem aktuellen Netzwerk kennen, können Sie Websites wie LaunchPad oder Levo League nutzen, um mit Experten digital in Kontakt zu treten.

Die Rolle der Musik in Videospielen

Die Rolle der Musik in Videospielen

Wie in Filmen hat sich auch in Videospielen gezeigt, dass die effektive Verwendung (oder mangelnde Nutzung) von Musik der Unterschied zwischen einem definierenden emotionalen Höhepunkt, der seine volle Pracht erreicht, und dem, was ansonsten ein fesselnder Moment gewesen wäre, der die Schärfe einer getrockneten Tomate erreicht hätte (es sei denn, getrocknete Tomaten bringen einen tatsächlich zu Tränen, in diesem Fall bin ich mir sicher, dass sie Ihr Bedürfnis nach emotionalem Geschichtenerzählen in einem weitaus größeren Ausmaß befriedigen als jedes Spiel). So wie in den letzten Jahren große Fortschritte in der überzeugenden Videospiel-Erzählung gemacht wurden, so hat sich auch der Einsatz von Musik rasant entwickelt.

Da sich aber alle Spiele sowohl um Storytelling als auch um Gameplay drehen müssen, hat sich seine Version der auditiven Begleitung als absolut einzigartig für dieses Medium erwiesen. Die Raffinesse der Unterhaltungselektronik hat sich seit den Tagen der 8-Bit- und MIDI-Soundtracks von Klassikern wie Mario Bros. und The Legend of Zelda enorm weiterentwickelt. Musik allein hat einige der größten Gaming-Momente aller Zeiten unterstützt, aber einige Titel haben dies einen Schritt weiter getrieben, indem sie das gesamte Kern-Gameplay um Musikalität herum aufgebaut haben. Dies ist meine Auseinandersetzung mit der enormen Rolle der Musik in Videospielen.

In den späten 1970er Jahren, als Videospiele im sogenannten goldenen Zeitalter der Arcade-Videospiele und der zweiten Konsolengeneration (wir treten jetzt mit der Wii U, Xbox One und PS4 in die 8. Generation ein) erstmals als beliebte Unterhaltungsform auftauchten, wurde Musik über einfache synthetische Chips erzeugt, um musikalische Klänge im treffend benannten Stil zu erzeugen: chiptune. Früher waren die meisten Videospiele völlig stumm oder enthielten nur extrem einfache Piepser und Boops – wie in Atari’s Pong, erschienen 1972 – aber als Hintergrundmusik in Videospielen begann, von Kunden erwartet zu werden, nutzten die Entwickler diesen wachsenden Trend direkt mit der Veröffentlichung des universell geschwenkten Journey (ich weiß, was Sie denken, aber die Version von 1983). Die Spieler spielten als Fotografien der Mitglieder von Journey, die auf Cartoon-Körpern platziert waren, versuchten, sich mit ihren Instrumenten wieder zu vereinen, hörten aber keine der Bands tatsächliche Musik. Obwohl noch in den Kinderschuhen steckend, ruft die schlichte 8-Bit-Musik aus dieser Zeit sicherlich Nostalgie hervor für jeden, der in den 70er und 80er Jahren aufgewachsen ist, selbst Videospiele waren damals weit weniger ein ernstes Hobby als heute und mehr ein Spielzeug. Ich selbst erlebe diese Nostalgie, wenn ich das Eröffnungsmotiv der originalen Playstation höre.

Im Laufe der Jahre hat sich die Musik in Videospielen ebenso rasant entwickelt wie ihre Technologie: Es ist eine gute Zeit geworden, um ein Spieler zu sein. Neben der Möglichkeit, Atmosphäre in der Geschichte und im Setting jedes Levels zu schaffen, wurde Musik verwendet, um den Spielern Informationen auf künstlerische Weise direkt zu vermitteln, was mich dazu veranlasst, ein musikalisches Ungeheuer zu enthüllen, das einzigartig für Videospiele ist: den dynamischen Soundtrack. Erstmals im revolutionären R.B.I. eingesetzt. Baseball im Jahr 1987, dynamische Soundtracks ändern und fließen auf der Grundlage der Aktionen des Spielers. Musikalisch gesehen, können Spiele wie Elder Scrolls V: Skyrim einen Dime von einer wunderschönen, zarten Geigenmelodie aufdrehen, während Sie eine atemberaubende Aurora auf einem schneebedeckten Berg bestaunen, bis hin zu schweren, maskulinen Grunzen und Trommeln, sobald Sie in den Kampf treten, oft geschieht diese Veränderung, bevor Sie überhaupt wissen, dass Sie angegriffen werden. Das zwingt die Komponisten dazu, über die üblichen Empfindlichkeiten der Filmkomposition hinauszugehen und Phrasen zu kreieren, die sowohl fesselnd genug sind, um die Emotionen der Spieler hervorzurufen, als auch präzise genug, um einen bequemen Übergang in den nächsten Song zu ermöglichen. Videospiele basieren auf Informationen ebenso sicher wie auf Emotionen, und diese Informationen müssen auf kreative Weise vermittelt werden. Selbst ohne einen komplexen dynamischen Soundtrack kann Musik Informationen vermitteln, die so einfach sind wie das Gewinnen eines Levels oder eines Spiels. Diese Klänge können sogar noch einprägsamer werden als die Spiele selbst. JEDER weiß genau, was ihn erwartet, sobald diese Musik in seinen Ohren ankommt:

Doch wie im Film ist das Schaffen von Atmosphäre für die Musik eine weitaus größere Funktion als die bloße Vermittlung von Informationen. Eine immersive Fiktion zu erschaffen, in der die Erzählung zu setzen ist eine Schlüsselaufgabe für jeden Entwickler, der ein populäres und gefeiertes Videospiel erschaffen möchte, und Musik ist ein großer Teil des Erreichens dieser Immersion. Ob diagetisch (direkt vom Charakter erlebt) wie die Radiosender in Grand Theft Auto 5, oder nicht-diagnostisch, wie die exquisite, symphonische Begleitmusik von Journey (1983er Version), angemessene Musik kann Bände über die Welt des Protagonisten sprechen, vor allem durch zeitgemäße Musik wie die von Hotline Miami, die eine pochende 80er Jahre-esc-Begleitung aufweist. In den perfekten Momenten in den Kämpfen der Charaktere und wenn die Visuals und die Atmosphäre prächtig etabliert sind, kann die Musik unsere Emotionen direkt manipulieren und sie wie ein Spiel von Monopoly spielen. The Last of Us war in vielerlei Hinsicht schön, aber sein Verständnis von Musikalität im Kontext einer Videospiel-Erzählung war einfach beispiellos.

Der brutalen Intensität dieser Szene steht eine einfache Gitarrenmelodie gegenüber, die die neue Saison auf einer schwarzen Leinwand einläutet. Wir erleben Geschichten und das Leben fiktiver Charaktere, weil wir fühlen wollen. Wir wollen über den Verlust von Charakteren weinen, die wir lieben, oder lachen, wenn sie ihre kühnsten Träume verwirklichen – vielleicht, um uns davon abzulenken, die wahren Emotionen zu konfrontieren, die wir im Alltag so leicht vermeiden. Eines ist jedoch sicher: Es gibt keine Situation, weder real noch imaginär, die sich nicht mit Musik oder Pizza verbessern lässt. (Daria-Fans? Hat jemand diesen Witz verstanden?)

Rhythmusspiele gehen noch einen Schritt weiter, indem sie ein ganzes Genre um die Performance und den Lebensstil herum hervorbringen, wie z.B. Guitar Hero und Rockband. Während des goldenen Zeitalters von Guitar Hero haben die Spieler hunderte von Stunden lang Plastikknöpfe auf einer Plastikgitarre zerquetscht, was die Rockband dazu veranlasste, dass die User zusammen als ganze Plastikband spielen können! Diese Spiele ermöglichten es, die Fantasien der Menschen von Rock-Gott-Stars auf eine weitaus direktere Art und Weise zum Leben zu erwecken, als sie je zuvor erlebt worden waren, dank der ikonischen Reihe von Instrumentalimitationen und vor allem der Soundtracks. Angefangen mit einer Reihe zuverlässiger Rockstacks von David Bowie bis Franz Ferdinand, wurde die Popularität dieser beiden Franchise-Unternehmen schnell durch die Hingabe ganzer Titel an bestimmte Bands oder Epochen, wie Guitar Hero: Aerosmith oder The Beatles: Rock Band, geprägt, die es den Spielern ermöglichten, die Schuhe virtuell zu füllen und die Songs ihrer Lieblingsmusiker zu covern, ohne dass sie sich dabei an die Langeweile der Praxis gewöhnen mussten. Ein paar Jahre später würde Ubisoft diese Prämisse mit Rocksmith, veröffentlicht im Jahr 2012, beträchtlich weiterführen, was es den Spielern erlaubte, jede E-Gitarre (oder Bassgitarre nach einer Erweiterung) an ihre Konsole anzuschließen und den Guitar Hero-Stil zu jammen, während sie gleichzeitig ihre musikalischen Klänge versüßten. Ob Rocksmith nun ein Videospiel ist oder nicht, darüber lässt sich streiten, aber es hat sich als eine effektive und unterhaltsame Einführung in das Gitarrenspiel erwiesen, die den Spielern unzählige Stunden echter Erfahrung sowie eine große Auswahl an virtuellen Verstärkern und Pedalen bietet, um die Klanglandschaft des Instruments individuell zu gestalten.

Trotz meiner Liebe zu Filmen, TV und Videospielen ist Musik kompromisslos meine bevorzugte Ausdrucksform. Wie Milliarden Menschen auf der ganzen Welt spricht es mich auf einer so tiefgründigen Ebene an, dass ich mir ein Leben ohne es nicht vorstellen kann, aber es glänzt wirklich durch seine Infektion mit visuellem Geschichtenerzählen. Wer könnte vergessen, dass die schaurig schöne Montage in Good Morning Vietnam, wo das Schlimmste der Menschheit wurde auf What a Wonderful World von Louis Armstrong, oder Jamie N Commons: Lead Me Home in The Walking Dead als Michonne, Rick und sein Sohn, Carl Fahrt durch die verfallende Welt, in der sie gezwungen sind, zu überleben. Wer könnte die Landung in Mexiko auf halber Strecke der Red Dead Redemption vergessen? John Marston – ein Fremder in einem fremden Land, der von Banditen angegriffen wird, bevor er überhaupt einen Fuß auf ihren Boden setzt; gezwungen, seine ehemaligen Gefährten gnadenlos zu jagen – reitet er mit einem Revolver in seinem Holster in den Sonnenuntergang an seiner Statt, nach der Melodie der windigen, unverwechselbaren Stimme von José Gonzalez’ Far Away, und es ist atemberaubend. Bis dahin war der Soundtrack dieses Spiels typisch westlicher Gitarrenzwang und schroffe Riffs. Es schien nicht einmal real zu sein, als sich der folkloristische, minimalistische Far Away in den Hintergrund stellte und das galoppierende Pferd und den entfernten Dampfzug überwältigte. Es schien, als wäre es ein Traum, aber dieser makellos gestaltete Moment war real, es geschah. Durch die einfache Hinzufügung eines Liedes zur richtigen Zeit wurde der Akt, ein Pferd durch die Wüste Mexikos zu reiten, zu einem der größten Momente in jedem Videospiel, das ich je gespielt habe. Und das alles dank der Musik.